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时装

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下次闭着眼睛去看时装秀

  音乐和时装之间存在着非常微妙的关系,两者相辅相成,所产生的化学反应,往往是成倍而言。就如同音乐往往能改变一个人的喜好,甚至于影响他的穿衣。很多我们所熟知的设计师,都会被所偏爱的曲风影响到自身的创作,而这点可以明显的从设计师的作品中呈现出来。当然,这种联系并不是单向的,因为所属的音乐类别不同,我们往往很容易从一个人的穿搭来辨别他们的乐风,同时,这些音乐人的穿着也可以带动时尚潮流的趋势。所以,在相当长的一段时间里,音乐与时装就像情侣一样「纠缠不清」,我们无法从中将任何一方抽离出来。因为,这样会让一切变得「索然无味」。

  相信,历年的「四大时装周」绝对是最能引发时尚界波动的「大事件」,随着时间的变迁,我们关注的不再只限于服饰本身,模特、布景、音乐等秀场元素,也逐渐被外界所关注,而这也更为丰富了我们茶余饭后的谈资。

  自 19 世纪末至 20 世纪初,服装设计师开始雇佣女性身着由他们所设计的服装出席各种社交舞会,以此来提高自身名气和曝光度,而这种做法确实达到了他们所期望的效果。因此,这种举措逐渐被业内争先效仿。20 世纪,这种展现自我作品的方式,更被提升到了一个全新的层次。为了向重要客户展示作品,很多设计师开始雇佣模特或仿真人偶,随意的走秀,凌乱的摆放,构成了这些私密且不正式的秀场。看似「粗糙」的形式,在当时却极为受宠,更演变成为一种热门活动,还被排上日程,每隔几周就会进行一次。不过,这一切都随着 Paul Poiret 和 Lucy Christiana (Lady Duff-Gordon)的出现而改变了。

  Paul Poiret 和 Lucy Christiana (Lady Duff-Gordon)的成功并不在于他们所设计的作品,而是他们的营销手段,他们会想出各种方式来吸引客源,例如:为每款服饰取名、举办化妆舞会「Thousand and Second Night」等,并因此闻名于时尚界。Lucy Christiana 的做法让原本「简单粗陋」的时装秀变得更为「精致」,这也让设计师和客户之间「脱节」的关系,因为「互动」而变得密切。之所以会在文章中提及Lucy Christiana,是因为如果没有她的出现,我们就不会看到当下的时装秀!之后的故事,相信大家已经都有所耳闻,因为日益增多的客户群体,各个服饰品牌将时装秀的时间固定,变成每年两次。直至 20 世纪 60 至 70 年代,因为受到 Lucy Christiana 的启发,品牌与设计师开始围绕每季的服饰作品打造专属舞台,并将音乐和舞蹈等形式融入到时装秀当中,这也让他们的作品更为生动。如果以「丰富度」来划分时装秀的发展历程,那么至此,外界迎来了「现代」时装秀!

  音乐,是可以反映人类情感世界的一种艺术,在带来听觉享受的同时,细腻的音乐,可以更好的抒发和释放大众的情感,我们往往会因为一段音乐,勾起一场回忆,再度置身于过去的场景之中。就如上文所述,近年大众开始逐渐将注意力分散至秀场音乐,而每场时装秀的背景音乐并不是随便之选。早期,因为「节奏」的偏好,品牌或设计师往往会选择一些流行歌曲或New Age (现代派音乐)作为背景音乐,因为这类曲风能够更好的配合模特的走秀,也能更好的将观众带入到秀场节奏当中。

  但在进入 21 世纪后,品牌与设计师的选择变了,他们在选择音乐的时候,会更加在意观众的感受,从而他们会更加「精挑细选」,这类音乐或是古典与电子,又或是小众且独立音乐人,那至于是将不同曲风混剪或新作,那至于是现场的大型演奏或是现场的人声演绎等方式,而这些做法,都只是想为到场来宾营造更为直观的画面感。因为越多心思的注入,这类音乐引发了外界追捧,甚至于出现专门收藏此类音乐的终极发烧友,可见音乐的魅力之大。接下来,就让我们再度重温在这类音乐当中,看是否能勾起你的时尚之旅。本文会以不同品牌分类的方式,介绍相对应的秀场音乐。因为有些曲目,是音乐人专门为秀场所创,所以无法找到,但在这篇文字中,会加入该音乐人的其他相关作品,以便让读者更好的了解他们的音乐风格。

  之所以会将 CHANEL 排在首位,着实要归功于已故知名设计师「老佛爷」Karl Lagerfeld。「黑」与「白」两种至简的色彩经常会出现在,Karl Lagerfeld 所创造的时尚世界之中,而这也如他所选择的音乐风格一般「简单而直接」。也许,大多数人并不知道,对于音乐来讲,Karl Lagerfeld 可不是一位「门外汉」。虽然身为一名以服饰闻名的设计师,但「老佛爷」也曾亲力打造过两张专辑。其中,一张是受《VOGUE》之邀,挑选出心爱的 23 首曲目,推出名为《Les Musiques Que Jaime - My Favorite Songs》的双 CD 专辑。另一张,则是由他亲手设计封面的专辑《K》,在这张专辑中,有很多 Karl Lagerfeld 的挚友,以及他所喜爱的音乐人。值得一提的是,这张《K》专辑是以仅发售 4000 张的限量形式出售, 极具收藏价值。对于服饰的设计,他无人能及,而音乐品味,又令 Karl Lagerfeld 被外界所称赞,所以他是最适合当开场式的人选。

  作为 CHANEL 的创意总监,Karl Lagerfeld 每次在秀场音乐的选择方面都有独到的见解,而这里必须要提到的一位就是——Michel Gaubert。作为与「老佛爷」合作超过 20 年的音乐人,几乎每场重要大秀你都会听到他的作品。CHANLE Cruise 2018 的希腊神殿,选择以 Aphrodites Child的曲目《The four horsemen》作为开场,并将 Vangelis、Iannis Xenakis 等多位希腊音乐人的摩登曲风融入到秀场配乐当中,营造出穿越时间的既视感;而在「老佛爷」离开后的 CHANLE 2019 秋冬系列的雪景中,Michel Gaubert 更是以一曲 David Bowie 的《Heroes》致敬自己的友人兼伯乐。

  如果说让你列举出与音乐密切相关的奢侈品牌,那 LOUIS VUITTON 绝对名列在内,从受邀为音乐家定制皮箱,到推出多款与音乐有关的单品, LOUIS VUITTON 与音乐间有着千丝万缕的联系。

  在 Kim Jones 坐镇时期,设计方面最大的功勋就是将「奢侈」与「街头」融合,让外界以全新视角诠释时尚,因此,大众往往忽略了他在音乐方面的品味。在查找资料过程中,每每看到 Kim Jones 在位时的秀场音乐,都给人一种极富律动性的感觉。如在品牌 2018 春夏系列中,选用 Drake 的新歌《Signs》作为秀场音乐,一首极具假日风情的单曲,与当季的「海岛风情」极为相符。而 2016 春喜系列中,80 年代当红 Disco 音乐人 Nile Rodgers 歌曲作为走秀音乐,则是因为他无界限的曲风与品牌的创作理念一致,两者间的默契不言而喻。

  作为 Kim Jones 的继任者,Virgil Abloh 带给我们一个又一个惊喜,不论是重返童年,还是致敬天王,他用创造力平息了外界的流言。作为巴洛克时期,意大利著名小提琴家和作曲家之一,Antonio Lucio Vivaldi 的协奏曲《四季》,是其最为闻名于世的佳作,其中《春》的乐章,便是品牌 2020 春夏系列的秀场曲目。而在 2019 秋冬系列中,有着「纽约的声音」别号的艺术家 Blood Orange 为本场秀专门创作了一首歌曲《You Know What’s Good》并在现场与 Mikey Freedom 的 Live Show 绝对令人印象深刻。

  相对于 Virgil Abloh 和 Kim Jones 来讲,Nicolas Ghesquière 的名号可能在某些人眼中相对陌生,但是这位喜爱建筑的设计师,在音乐和设计方面的成就,绝不亚于前两者。在 LOUIS VUITTON 2017 早春秀场中,就采用了来自于法国的摇滚乐队 La Femme 的单曲《Sphynx》作为秀场音乐。层层递进的节奏,配合模特的步伐,让一切看起来都毫无违和感可言。而在 2019 春夏系列中,由法国鬼才导演暨音乐人 Woodkid (Yoann Lemoine)专门创作的乐曲,也令人难以忘怀。无独有偶,这位鬼才音乐人的作品也曾被 Dior 等多个品牌相中,作为走秀音乐使用。

  作为品牌的前任创意总监,Christopher Bailey 曾多次坦言「音乐」是他的灵感之源,他所有的创作都离不开音乐,而这也让他对于品牌所有与音乐有关的事情,都会选择亲力亲为。并且,Christopher Bailey 还创立专业音乐团队,推出一个名为 Burberry Acoustic 的项目,旨在挖掘和支持那些极富天赋的英国本土年轻的音乐创作人,并为他们创造登台品牌秀场演唱自己作品的机会,如:Ed Sheeran、George Ezra、James Bay、Tom Odell 等知名音乐人,都是通过 Burberry 的舞台才让外界所熟知。同时,Burberry 还在 Apple Music 流媒体平台,创建了独立的播放频道,而它也成为首个在 Apple Music 拥有自主频道的奢侈品牌。在 Riccardo Tisci 接手品牌后的首个服饰系列,在品牌 2019 春夏系列的秀场中,Tisci 也遵循「传统」邀请英国本土乐队 Massive Attack 的成员 Robert Del Naja,为其创作秀场音乐。

  Alessandro Michele 的加入,带给 GUCCI 不仅是设计风格的改变,而是一种多元文化的包容,将多种不同领域的文化,融入到创作当中,让「一尘不变」的 GUCCI 变得更为多样。作为入驻 GUCCI 的第二个成衣系列,Alessandro Michele 在品牌 2017 春夏系列中,将场景搬到了 River Thames (泰晤士河)旁的 The Collegiate Church of St Peter at Westminster (威斯敏斯特圣彼得协同教堂),并邀请到唱诗班来演绎此次的秀场音乐《Scarborough Fair》,原本在设计上就极为推崇多元文化交融的他,能够作出如此举措,也在「情理之中」。是否还记得 GUCCI 2018 秋冬系列中,出现在手术台的一幕幕「诡异」场景?相比于设计本身,现场的音乐也是经过精心设计后的结果。作为当季的秀场音乐总监,Steve Mackey 选用了《Stabat Mater》(《圣母悼歌》)作为本次的秀场音乐,十分符合当季 Alessandro Michele 所要表达的寓意。同样,在2019 秋冬系列中,Alessandro Michele 依旧选用了一首与宗教有关的歌曲,作为秀场音乐,那就是巴斯克人的圣诞颂歌——《Gabriels Message》(天使加布里埃尔从天堂来)。

  Hedi Slimane 时期的 Saint Laurent 几乎完全脱离不开音乐的影子,他的摇滚情节充斥在各类作品当中,因此,Saint Laurent 也成为全球一种音乐人必备的品牌之一。那个时期的 Saint Laurent 仅用简单的配色,就诠释出 Hedi Slimane 对于音乐的理解,一起来回顾一下 Hedi Slimane 时期的「靡靡之音」吧。2015 年春夏男装秀场,多盏 LED 灯作为背景墙的设计,已经成为近代时装秀的经典装扮之一,当时所邀请到的摇滚乐队 Mystic Braves 虽然名气不大,但这也寓意着年轻一代对于摇滚精神的重新诠释。而在 Saint Laurent at the Palladium (2016 春夏系列)中,摇滚乐队 PyPy 为这场时装秀专门创作了一首全新单曲《She’s Gone》,直戳品牌的「摇滚精神」。由此可见,Hedi Slimane 的时代,「摇滚」就是对于 Saint Laurent 最好的直译!

  Raf Simons 这个极富天赋的设计师,为 Dior 带来并不仅是创意,更多的是一种形象方面的转变。作为一名音乐爱好者,Raf Simons 每一次的选择都恰到好处。离任前的最后一季,Raf Simons 在 2016 春夏系列中,选择了 New Order 的《Elegia》,而这首歌曲,也完美诠释出了,这位鬼才设计师当时的心情。而时间倒推,在 2015 春夏系列和2014春夏系列中,他分别选用了 Ike Yard 《Loss(Regis Version)》 和 Mayer & Aguayo 改编版《Slow (Love food)》以及 Martin Garrix 的《Animal》,前者是依靠重复的鼓点,来配合来回走动的模特步伐,后者则是看似突兀的选择,实则却是整场大秀的点睛一笔。

  如果说「时装」带给我们的,是最为直观的视觉感受,那么每场秀场的「靡靡之音」,则是带领我们进入设计师所营造的「绮幻之境」的向导。因此,除了作品设计外,每季秀场音乐的选择,也成为外界所关注的重点。

  虽然,不能保证所有曲目都能讨你欢心,但它们都代表着每个设计师的性格和喜好,在欣赏时装秀场之时,不妨也静下心来仔细品品这些音乐,你会有不一样的发现。

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